domingo, 1 de octubre de 2017

La escultura griega (primera parte)


La escultura griega :

 El hombre será el centro de la escultura griegabelleza, expresión y movimiento definen los rasgos capitales de la escultura griega, aunque en este sentido se producirá una clara evolución a lo largo del tiempo hasta alcanzar la perfección 

Voy a empezar con un texto que nos ayudará a entender mejor el significado de la escultura griega
"El origen de la escultura en Grecia está unido a un personaje legendario, "Dédalo", al que se le considera padre de las artes. "Es un ateniense, perteneciente a la familia real, que tiene su origen en Cécrope, prototipo del artista universal, arquitecto, escultor y pintor e inventor de recursos mecánicos. Se le atribuyen en la antigüedad las obras de arte arcáicas (...).
Así, se le atribuyen obras como la Dama de Auxerre, a la que se le califica de estilo Dedálico y que será el punto de arranque en el estudio de las Korai.
Ved aquí la verdad: Los escultores e imagineros de la época ejecutan los pies y las manos de manera simétrica y unidos al cuerpo. Sin embargo, Dédalo fue el primero que realizó una estatua con un pie en actitud de avanzar. Por esto la gente solía decir: "Dédalo no sólo ha conseguido que la estatua se aguante de pie, sino también que camine..."
En VVAA: Fuentes y documentos para la Historia del Arte. Gustavo Gili. Barcelona 1982. Págs 273-274. 










SOBRE EL "CANON"
"La belleza reside, no en la proporción de los elementos constituyentes, sino en la proporcionalidad de las partes, como entre un dedo y otro dedo, y entre todos los dedos y el metacarpo, entre el carpo y el antebrazo y entre el antebrazo y cl brazo, en realidad entre todas las partes entre si, como está escrito en cl Canon de Polícleto. Para enseñarnos en un tratado toda la proporción del cuerpo, Polícleto apoyó su teoría en una obra, haciendo la estatua de un hombre de acuerdo con los principios de su tratado y llamó a la estatua, como al tratado, Canon.
No por casualidad, uno de los maestros griegos de la época, el escultor Polícleto, se ganará el título de «grande» de sus contemporáneos más por el canon —el sistema de relaciones matemáticas establecido entre todas las partes del cuerpo— que por sus también notables obras escultóricas. Reaparece aquí, como en la arquitectura la tendencia helena a instituir una regla y después buscar las perfectas proporciones dentro de esta regla; así como el concepto de que un todo perfecto es la suma perfecta de partes perfectas.
Es necesario —afirma Polícleto— que la cabeza sea la séptima parte de la altura total de la figura, el pie dos veces la longitud de la palma de la mano mientras la pierna, desde el pie a la rodilla, deberá medir seis palmos, y la misma medida habrá también entre la rodilla y el centro del abdomen Para demostrar la exactitud de su canon esculpió una estatua que nos ha llegado en numerosas copias romanas: el Doríforo —es decir, el portador de lanza—, un joven, una vez más, completamente desnudo, que lleva con desenvoltura una ligera lanza en la mano."Galeno, De temperamentis (siglo II d.C.).




PASAMOS A CONCRETAR CON LAS CARACTERÍSTICAS GENERALES

ESCULTURA GRIEGA: CARACTERÍSTICAS Y ETAPA ARCAICA (S. VII-V a. Cto.)

La escultura griega recibe influencias de la escultura cretense y micénica, de Egipto y
 de las culturas de Próximo Oriente. Influirá: en Etruria.

- Es importante tanto el relieve como la escultura exenta.

- Evoluciona desde esquemas geométricos(EN LA ÉPOCA ARCAICA)

 hacia un realismo matizado.

- Utilizan piedra y mármol, y suelen policromar las esculturas con colores vivos.

 Heredan de época geométrica la utilización de la madera.

- Ya en época preclásica comienzan a utilizar el bronce.

ETAPAS Y CRONOLOGÍA
CRONOLOGÍAPERIODOAUTOROBRA
VII – VI a.C.Edad Arcaica
Kóuros Anavissos
Koré del Peplo
Siglo V a.C.ClasicismoMirón
Policleto
Fidias
Discóbolo
Doríforo

Procesión de las Panateneas

Siglo IV a.C.ClasicismoLisipio
Praxíteles
Praxíteles
Scopas
Apoxiomeno
Hermes con el niño Dionisio
Afrodita de Cnido
Ménade
Siglos III-II a.C.HelenismoAgesandroLaocoonte y sus hijos
Venus de Milo
Victoria de Samotracia
El Galo moribundo
En este post analizaremos la escultura arcaica

ESCULTURA ARCAICA GRIEGA


- La figura del hombre aparece en la mayoría de los casos desnuda.

 La mujer aparece cubierta por el Peplo, 
que era la vestimenta típica femenina. Lo que demuestra un mayor interés
 por el estudio de la anatomía masculina.

- La escultura de esta época era frontal, rígida, hierática.

 Normalmente aparecen de pie, con una pierna adelantada
 y los brazos en paralelo al cuerpo o en actitud oferente.
 Marcan mucho los ojos y tienen una misteriosa sonrisa 
que más tarde influirá en el arte Etrusco.

- Las figuras femeninas reciben el nombre de KORÉ o KORAY, 

y las figuras masculinas
 el de KOUROS o KUROY,
 y aparecen a partir del siglo VI a. Cto.

EJEMPLOS:


"La dama de Auxerre" (Museo del Louvre de París, c. 630-600 a. C.): 

Rígida, hierática, 
sigue la ley de la frontalidad únicamente rota por la mano.
 Ojos almendrados,
 frente saliente,
 pelo con tirabuzones siguiendo la moda marcada por Creta. 
Hombros anchos y cintura muy marcada, 
también de influencia cretense. 
Las manos y los pies son desproporcionados.



"La Hera de Samos"

 (Museo del Louvre de París, c. 575-550 a. C.) 
Estatua procedente de Samos 
dedicada por Ceramies. 
Más evolucionada que la anterior, 
apareció sin cabeza
 y su peplo está más trabajado.



“La Koré del Peplo" (Museo de la Acrópolis de Atenas, 530-520 a. C.) 

Como la mayoría de las Koré
 aparece oferente. 
Trabajo evolucionado del cabello,
 un brazo va paralelo al cuerpo 
y con el otro extiende 
la ofrenda. 


KOUROS DE ANAVISSOS 
(SE COMENTARÁ EN EL BLOG DE UNA COMPAÑERA) 
(Museo Nacional de Atenas,
 540-515 a. C.) Es un Kouros desnudo, 
con los brazos en paralelo al cuerpo. 
Tiene cierta conexión con la escultura egipcia
 por la postura hierática,
 el pie adelantado... 
Hay mucha idealización
 y marca mucho las distintas partes del cuerpo.



"Frontón del Templo de Artemisa" (corfú). Gorgona

 del frontón del templo arcaico en Corcira (Corfú), 
c. 600-580 a. C.



"La esfinge alada" del siglo VII o VI a. Cto.

 Influencia oriental,
 estaba situada en el frontón del "Templo de Artemisa" en Korfú.



"La Malcarada" (Museo de la Acrópolis, Atenas) del siglo VI a. Cto.

 Se acerca mucho a lo que será el tratamiento clásico. 
Los ojos no son tan almendrados y la boca sobresale más.



"El efebo rubio" (Museo de la Acrópolis de Atenas, c. 490-480 a. C.)

 Evoluciona en el tratamiento del rostro. 
Su cabello es más naturalista, 
pero aún no es perfecto.



“El Moscóforo” (Museo de la Acrópolis de Atenas, 575-550 a. C.)

 o "portador del ternero".
 Representa a un personaje llamado Rombo en actitud de llevar
 en ofrenda el animal a Atenea.




“El Jinete Rampín”, (575-550 a. C.,

 Museo del Louvre de Paris (cabeza) 
y Museo de la Acrópolis de Atenas
 (tronco)). 





“Critios joven” (Museo Nacional de Atenas, 490-480 a. C.)




martes, 7 de marzo de 2017

Mujeres Pintoras

Morisot, mujer "chic"

Retrato de Berthe Morisot recostada (1873), por Édouard Manet, en el Musée Marmottan Monet, París.
Muchas actividades de una profesora de historia del arte en activo pueden ser satisfactorias, agradables e incluso necesarias.
Conocer la obra artística de B. Morisot fue el inicio de una admiración por el arte que hoy sigue siendo parte de mí.
A propósito de la celebración del día de la mujer el comentario me lleva casi sin darme cuenta a la obra de las pintoras impresionistas,aunque dentro del movimiento impresionista la presencia de las mujeres fue casi ignorada por los críticos de arte y no del todo considerada por el resto del grupo. Pero sería injusto dejar de lado la presencia de verdaderas artistas como Berthe Morisot, Mary Cassat, Marie Bracquemond y Eva Gonzales.
La primera exposición impresionista fue en 1874 y ya en ella encontramos la presencia de Berthe Morisot
La obra de Berthe Morisot contiene escenas intimistas ,el cuadro titulado “La cuna” (1872-Museo de Orsay), nos deja ver un mundo sereno.

La Cuna, sin duda alguna, el cuadro más famoso de Berthe Morisot, fue pintado en 1872, en París. La artista representa en él a una de sus hermanas, Edma, velando por el sueño de su hija, Blanche. Es la primera aparición de una imagen de maternidad en la obra de Morisot.
Como otros pintores del grupo mostró preferencia por los visillos de muselina o gasa, que actuaban como filtro transparente para la luz del sol, tan importante en estas pinturas.

Sus mujeres se distinguían por tener un cierto aire “chic” parisino, dado que ella misma era cuidadosa de su persona y coqueta.
Los detalles de la vestimenta no fueron olvidados ni aún en las escenas de exteriores, donde hasta el vuelo de las cintas de un sombrero daban el toque personal a sus obras.

RETRATO DE BERTHE MORISOT
Morisot fue alumna de Corot y cuñada de Manet.
Sus cuadros son íntimos y captan el silencio de los interiores dejando sentir la ternura de sus personajes anticipando el arte de Vuillard y Bonnard

EL ESPEJO
En la obra de Morisot, EL ESPEJO, los tonos claros dan al interior una luminosidad difusa y dejan entre los objetos, las telas y el espejo una trama de relaciones psicológicas.
Berthe Morisot (Bourges,1841-París,1895) nunca ha sido debidamente valorada entre los grandes exponentes del Impresionismo, sin duda por la falta de un conocimiento de su obra.
Pero su arte resuelto, delicado y vigoroso a la vez, es de una modernidad manifiesta. Pudo influir en ello el hecho de que fuera mujer, en un mundo del arte reservado tradicionalmente para los varones. En este sentido, hay que reconocer que el papel creativo de las mujeres fue durante mucho tiempo limitado, al ser excluidas de las Academias de Bellas Artes por hombres que preferían verlas en un mundo alejado de la práctica profesional de las artes. Pero lo cierto es que Monet, Pisarro, Renoir y demás, fueron conscientes de la valía de Morisot, quien, como recordara Pisarro en 1895, fue una "gran mujer de extraordinario talento que honró a nuestro grupo impresionista". Renoir, que la conocía bien, alabó también sus cualidades, y Manet, su mejor amigo y colaborador, sintió verdadera admiración por su libertad de experimentación.

viernes, 27 de enero de 2017

Características de la pintura gótica

Dejo las características de la pintura gótica para que sirva de motor al desarrollo de este tema tan importante en esta evaluación

Este es el retablo de la Virgen de Tortosa de Pere Serra.


Al pasar de la arquitectura románica a la gótica hay una progresiva reducción de los muros y una espectacular sustitución de estos por vidrieras,lo que supone la búsqueda de otros soportes, desarrollándose la pintura sobre la tabla, aunque aun quedan algunos rincones y espacios reservados para los frescos e incluso capillas enteras donde la decoración es básicamente de pintura al fresco.


En pintura gótica es difícil hablar de características generales, se suele analizar las diversas escuelas y tendencias, pero podemos señalar las siguientes características:

- Las técnicas empleadas son : temple y óleo, en pintura sobre tabla, y el fresco en las pinturas murales.

- El dibujo tiene mucha importancia: delimita formas, marca modelados, crea ritmos compositivos..

- Importancia del modelado, desde tonos planos al juego de contraluces para dar volumen a las figuras

- La luz contribuye a destacar el volumen, pero en general no es una luz real y puede tener contenido simbólico



- El color es un elemento clave, se utiliza en gamas ternarias, con frecuencia es un colorido irreal lleno de contenido simbólico

- El interés por la perspectiva también evoluciona, aparece la preocupación por el espacio pictórico a partir del siglo XIV, con los pintores italianos y el gótico internacional

- La composición tiene muy en cuenta el eje de simetría, con los elementos orientados hacia el centro teórico del cuadro.

- Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un naturalismo idealizado individual y expresivo, al igual que en la escultura.

Patética expresión de dolor en uno de los ángeles del Llanto sobre el cuerpo de Cristo, pintura mural realizada por Giotto (h. 1266-1337) en la Capilla de los Scrovegni de Padua.

- La temática religiosa, y en menor escala también la profana


Pere Serra. Retablo de Todos los Santos, en el monasterio de Sant Cugat, 1375. En la imagen detalle del retablo de Todos los Santos del monasterio de Sant Cugat


- Tiene un carácter narrativo y finalidad didáctica y devocional



Maestro del Jardín del Paraíso, escena; «María en el jardín con santos», Instituto Städel, Fráncfort del Meno, h. 1410



La evolución de la pintura gótica se realiza en cuatro etapas que reflejan la evolución y la personalidad de los artistas:

1. Estilo franco gótico (mediados del siglo XII hasta mediados del siglo XIV)
2. Estilo italo-gótico (segunda mitad del siglo XIV) destacan: La escuela de Siena y La escuela de Florencia



3. El estilo internacional (finales del siglo XIV y primera mitad del siglo XV)



4. La escuela de los Primitivos Flamencos (siglo XV y principios del siglo XVI)



Esta última etapa nos interesa, para poder hacer así un análisis exhaustivo del “Matrimonio Arnolfini” y de otras obras importantes,como el poliptico de san Bavón de Gante y el descendimiento de Van der Weyden que realizarán los alumnos en sus blogs


En el siglo XV, algunas ciudades de Flandes se convierten en sedes de una importante escuela pictórica, que para muchos autores supone ya los inicios del Renacimiento. Tiene sus orígenes en el gótico internacional y su mayor aportación al arte europeo será su progresiva captación de la realidad, que se inspira en la escultura y que se verá favorecida pro la nueva clientela: la burguesía. Las características del estilo flamenco son:

- Innovación técnica. El trabajo de pintura al óleo que permite realizar superficies muy lisas y los cuadros ganan en color, luz y juegos de trasparencias, además de un trabajo lento que da lugar al virtuosismo.


                            Roger van der Weyden; Descendimiento, h. 1443, Museo del Prado, Madrid.
-

 Desarrollo de la pintura sobre tabla

- Minuciosidad y gusto por el detalle. Las obras se conciben para ser contempladas de cerca, y por eso se recrean detalles.

- Introducción del retrato a través de la imagen del donante

- Valoración de la luz

- Interés por la reproducción de los objetos de la vida cotidiana, como las escenas burguesas en interiores, con muebles, cuadros y diversos objetos.

- Amor al paisaje, que se aprecia en las luces del horizonte o en los brillos de las aguas.

- Naturalismo y realismo. Un enfoque cercano lleva a los pintores a una representación veraz de la realidad, captando todos los detalles.

- Creación de un espacio pictórico, como consecuencia del realismo y el naturalismo con que se realizan las obras



Una primera generación de pintores, está compuesta por los hermanos Jan y Humberto Van Eyck, Roger Van Der Wyden, Campin y Patinir. En la segunda generación de pintores flamencos, que se extiende a lo largo de la segunda mitad del siglo XV y principios del siglo XVI, destacan pintores como: Memling, Gerad David, y El Bosco.

Autor: Bosco (El)
Museo: Madrid, Museo del Prado
Caract: Óleo sobre tabla, 135 x 100
Estilo: Gótico

En España, la influencia flamenca destaca en los catalanes: Luis Dalmau y Jaume Huguet; en Castilla sobresale Bartolomé Bermejo, Jorge Inglés y Fernando Gallego.